Durante un año el Museo Marc fue habitado por El Club, un colectivo de amigxs artistas. Como parte del festejo del 85° aniversario del museo se les propuso conocer la colección, recorrer las salas, espacios de talleres y oficinas, explorar el lugar, investigar los rincones. El encuentro podría derivar en una publicación, un evento, una experiencia, finalmente llegó la muestra. La consigna que el museo propuso fue establecer un diálogo con las obras y sus marcos, los objetos de las vitrinas y reserva, la arquitectura del lugar, con las lecturas obligadas de la historia de la ciudad.

 

“Un museo y un club. Normas de convivencia” es la exposición de diez obras que fueron producidas por once artistas que proponen repensar la colección de un museo histórico. Pero no sólo eso.

 

La muestra nos cuenta una y varias historias. El tiempo de un espacio compartido entre un colectivo de artistas y trabajadoras y trabajadores de un museo. Fue el encuentro, la amistad, el conflicto, la gestión de un espacio público y otro autogestivo, la colaboración, los problemas de cada unx que por momentos son de todxs, la charla y la voluntad de la escucha, las dinámicas de trabajo colaborativo, los calendarios y presupuestos, el expediente, los pagos, el deseo, el cansancio, el perderse y volver, el dejarse afectar. El café por la mañana, un mate por la tarde.

 

“Un museo y un club. Normas de convivencia” es la exposición de diez obras que fueron producidas por once artistas que propone repensar la colección de un museo histórico. Todo eso y no sólo eso.

 

Analía Solomonoff (curadora)

 

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El Club

​Ariel Costa, Germán Gentile, Marina González Buvinic, Nazareno Marengo, Estrella Mergá, Nabila Misirli, Cristian Osuna, Candela Roselló, Lourdes Tomaghelli, Jazmín Varela  y  Ami Ybarra.

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Ariel Costa

Sin título (2024)

Tres dibujos de grafito en barra, lápiz y polvo puro sobre lienzo crudo

90 x 113 cm, 61 x 77 cm, 81 x 105 cm

 

Al recibir la propuesta de participar de esta exposición, comencé a pensar en las posibilidades de un diálogo entre mi imaginario y las obras del museo. Luego de visitarlo, teniendo en cuenta esta consigna, me concentré en algunas obras: El retrato ecuestre del coronel Martín Isidoro De Santa Coloma, de Félix Revol (por su composición y estilo particulares); el boceto de la escultura ecuestre de Belgrano sosteniendo el pabellón nacional (lo sitúo geográficamente frente al río Paraná) de Arnaldo Zocchi; y la obra no terminada de Angel Della Valle, en donde se puede observar con total nitidez la expresión humanizada de aquellos caballos.

Entonces, Revol: caballo, composición, río.

Escultura de Zocchi: épica, poder, caballo, romanticismo, río.

Pintura de Della Valle: caballos humanizados, metamorfosis.  

Caballos, épica, romanticismo, poder, metamorfosis, río, son mis lineamientos dejando un poco de lado la cuestión histórica, concentrándome en la expresión (lo inalterable, lo universal).

 

Ariel Costa nació en Santa Fe, en 1975, pero creció en Villa Ángela, Chaco. Estudió Psicología y Bellas Artes en Rosario. Participó de los talleres de litografía y offset en la Escuela Musto e hizo clínicas con diferentes artistas. Estudió también algunos años música. Es licenciado en Bellas Artes, con la finalidad de pintura y grabado. Expuso en Rosario y en otras ciudades. Gestionó junto a otrxs artistas el espacio Oficina26. Desde el 2000 participa anualmente en exposiciones, salones y ferias de arte nacionales e internacionales.

 

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German Gentile

La cara que mereces (2024)

11 dibujos realizados con pincel y tinta sobre papel

4 hojas rectangulares de  22,3 x 32 cm / 7 hojas ovaladas de  21,3 x 31,2 cm

 

Teléfono descompuesto: juego donde los participantes se divierten al ver cómo una imagen se va distorsionando al ser transmitida a lo largo de una cadena de dibujantes.​ Cambiar el contenido de la imagen a propósito es considerado hacer trampa, la confusión y el error deben ser auténticos. La equivocación se va arrastrando y alterando dibujo a dibujo. La falta de exactitud abre la posibilidad a generar nuevas versiones de esa imagen inicial.

 

Germán Gentile nació en Rosario, en 1991 y es realizador audiovisual, con estudios en Arquitectura y Bellas Artes de la UNR. Formó parte del taller de dibujo “Un triángulo y una calavera” y en 2018 participó de la muestra colectiva “Corazones solitarios”, en el espacio cultural de OSDE, Rosario. También realizó talleres de dibujo con Claudia del Río y Power Paola. En 2019 participó en el programa “Escuela prestada” en la Escuela de Artes Plásticas Manuel Musto. Fue seleccionado ese mismo año para el 108ª Salón Nacional de Artes Visuales, en la categoría dibujo. En 2022 forma parte de la muestra colectiva “La siesta de las cosas” en Ramos Generales, La Plata. Un año después inauguró su primera muestra individual, “Puntas de Defensa”, en Taller La ciudad, CABA, y también participó de la muestra colectiva “Casi Ángeles”, curada por Lolo y Lauti en Barro, CABA. Vive y trabaja en Rosario.

 

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Marina González Buvinic

Sin título (2024)

Tríptico / Óleo sobre tela

105 x 180 cm

 

Mi proyecto está basado en la historia de una pintura “El soldado colorado” de Carlos Morel, que es considerado el primer pintor argentino. Esta pintura fue subastada en el año 1984 cuando en realidad pertenecía a la colección del Museo Marc. Este hecho confuso produjo un escándalo en la ciudad. La idea es realizar un tríptico, utilizando los marcos ofrecidos por el museo, sobre la figura de “El soldado colorado”, La Asociación de Amigos del Museo Marc, el gauchito Gil y los amigos que conformamos El Club. Mitos, leyendas, historias de nuestra región en diálogo con las personas que se dedican a la conservación, difusión y realización del arte en nuestra ciudad.

 

Marina González Buvinic nació en Rosario, en 1962. En 1978 obtuvo el título de profesora de Dibujo y Pintura en la Academia Cosmopolita. Entre 1995 y 2013 asistió al taller de pintura de Mario Martínez, en Neuquén. Actualmente cursa la licenciatura en Bellas Artes en la UNR. En 2019 fue expositora en las III Jornadas de Investigación en Artes de la  Universidad Nacional de Villa María. Participó en las exposiciones “Los senderos del color (2010)”, en sala de Arte Emilio Saraco, de Neuquén; “Lo que puede la pintura(2015)”, proyecto y muestra de la cátedra de Pintura I, de la profesora Claudia del Río;  “Si me fui, no me di cuenta (2018)”, en el Centro Cultural Qué te pasa, de Rosario; “Esculturas en Excultura (2019)” muestra de docentes, ayudantes y alumnos de la escuela de Bellas Artes de la Facultad de Humanidades y Artes de la UNR y “Taller Abierto y amigxs (2020)”, en El Club. Su obra “El sauce” fue seleccionada en el XIII Premio Nacional de Pintura Banco Central 2020.

 

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Nazareno Marengo

El trueno sulfúrico (2024)

Acrílico y témpera sobre tela y araña de bronce

244 x 390 cm

 

“Negro, con tinieblas viscosas de cielo destripado, verde de agua, ceniciento de vértigo, blanco como plomo derretido proyectado por una centrífuga, el viento chicoteaba la atmósfera con sus grandes colas de kuriyúes trenzadas y masticaba la tierra, la selva, la ciudad, con su furiosa dentadura de aire, de trueno sulfúrico”

“El trueno entre las hojas”, de Augusto Roa Bastos

 

Nazareno Marengo nació en Coronda, en 1991 y vive en Rosario desde 2007. Estudió dibujo y pintura desde los 15 años con Carlos Barocelli y Fernando Campos. Es profesor universitario en Bellas Artes, egresado de la Facultad de Humanidades y Artes de la UNR. En 2017 se introdujo en la pintura mural. Desde hace tres años trabaja como asistente de distintos artistas como Federico Cantini, Claudia Del Rio, Manuel Brandazza, En 2022 presentó su primera muestra individual, “Santa Pereza”, en Jamaica ATR Gallery en Rosario. En 2023 participó de la muestra colectiva “Casi Ángeles”, en Barro Galería en Capital Federal.

 

 

Jazmin Varela y Estrella Mergá

Carne de cañón (2024)

Técnica mixta

64 cm x 77 cm x 30 cm

 

Cuando el museo nos propuso hacer la muestra e ir a ver las obras, no pensábamos trabajar en conjunto. Lo que vimos y lo que nos inspiró fue diferente para cada una de nosotras. Por un lado nos llamaron la atención los soldaditos de plomo. La idea inicial era modelar una escena costumbrista con masilla epoxi y disponerla en una vitrina como si fuera una maqueta.

La otra propuesta era trabajar con un marco oval con formas talladas. Las formas orgánicas que iban disminuyendo de tamaño a medida que calaban en profundidad recordaban a los bajorrelieves. La intención era continuar con esas figuras orgánicas en cerámica y montarlas  en una caja, generando así una especie de diorama.

Cuando compartimos nuestras inquietudes en torno a la obra de cada una nos pareció una buena idea fusionar las propuestas y ubicar los soldados dentro de una caja de espejos para generar la sensación de espacio infinito y ambientarlo como si se encontraran en el momento de transición entre la vida y la muerte. Ambas entendimos rápidamente cómo queríamos que quedara la obra, la imagen mental coincidía, y al planificarla terminamos reflexionando sobre ciertos aspectos de la guerra.

Esas reflexiones aparecieron como consecuencia de la imagen y no al revés.

¿Cuántas personas habrán muerto a lo largo de la historia de la humanidad luchando en guerras? ¿Cuántos murieron defendiendo intereses y decisiones ajenas? ¿Cómo se visualiza un número de cuerpos infinitos? Nos resultaba imposible dimensionar y generar una imagen mental que represente la cantidad de vidas que fueron enviadas a morir. Vidas que ante tanta multitud pierden individualidad y pasan al olvido. Ante esto, pensamos en pintar los soldados de un mismo color en lugar de identificarlos con trajes específicos, son los soldados de todas las guerras.

Elegimos el color rosa para la obra para generar un contraste entre el sentido y la imágen. Jugando con el aspecto lúdico de los soldaditos de plomo y el espanto de la guerra. La monocromía nos obliga a ir descubriendo los cuerpos e invita a continuar buscando figuras  y escenas dentro de la obra.

 

Estrella Mergá nació en Villa Constitución, en 1990. Es artista visual y activista feminista. Se formó en la UNR como profesora de Bellas Artes y actualmente trabaja en su tesina para obtener la licenciatura. Ha participado de exposiciones colectivas e individuales "Los Accidentes (2016)", en el Centro Cultural Recoleta; "White Horses (2016)", en Mal de archivo ; "Corazones Solitarios (2018)", en Fundación OSDE;  "Jardines y otras desventuras (2019)", en Museo del Humor; “Ubicación en tiempo real (2022)”, en El Punto espacio múltiple; “Cerrando boliche (2022)”, en El Club, e “Insaciables (2023)”, en Galería Subsuelo. Integra Cuadrilla Feminista, colectivo de artistas gráficas que promueve la igualdad de género. Vive y trabaja en Rosario.

 

Jazmín Varela nació en Rosario, en 1988. Es dibujante y tatuadora. Publicó los libros “Crisis capilar” (EMR, 2016), “Guerra de soda” (Maten al Mensajero, 2017), “Tengo unas flores con tu nombre” (Maten al Mensajero, 2018) y "Cotillón" (Maten al Mensajero y Editorial Sigilo España, 2020). Es integrante de Cuadrilla Feminista, un colectivo de artistas gráficas de Rosario.

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Nabila Misirli

Cauterio (2024)

Taco de grabado en MDF, incrustaciones en chapa de bronce y tinta

183 x 115 cm

 

Decidí realizar un grabado, pero como grabadora siempre lo que me enamora es la matriz y no el grabado en sí. Siempre me pareció súper importante el rol de la imprenta en la historia, debido a la “democratización” del conocimiento y la imagen, pero en este contexto tan digitalizado donde ya olvidamos su función, quiero mostrar la fuerza y el oficio que representa la talla, el ejercicio de debastar.

Tomo elementos que se encuentran dentro de las pinturas del museo: las espadas, estrellas de los mantos, y estigmas. Me interesa tomar lo oscuro y siniestro de las pinturas religiosas, contando un relato dentro de ella. Mi relato, dentro del grabado, es el daño y heridas que generaron la creación de discursos dentro de la historia y la religión a las mujeres.

Ser hombre o mujer significaba tener un rango social, un lugar en la sociedad, asumir un rol cultural. El sexo se puede entender dependiendo de cada contexto donde se da batalla entre el género y poder.

Dentro del museo la mayoría de los objetos fueron para su uso cotidiano, y quiero llevar esos objetos a mi cotidiano dentro de mi taller, haciendo pequeñas representaciones, trabajando en metal y cerámica, la idea es hacerlo con la técnica de cera perdida.

 

Nabila Misirli nació en Buenos Aires, en 1992. Estudió Bellas Artes en la UNR, especializándose en grabado. Asistió a la residencia “Taller compartido”, en Crudo arte contemporáneo, realizó talleres en el campo del grabado con Julio Cesar Mroue, Julieta Warman, Adrian Pandolfo y Adrian del Grosso. En 2019 fue becada por Espacio Santafesino para la realización de producción y formación en Proyecto ACE.  Participó de varias muestras colectivas: “Refundación <zona emergente>(2021)”, en el Museo Macro; “Ruido Secreto (2021)”, en Crudo; “8° Miniprint internacional Rosario (2020)”, en el Centro Cultural Parque España, y “III Bienal Internacional de Grabado (2018), en Regina espacio de arte. Actualmente vive en Rosario, trabaja realizando joyería en cerámica y metal, desarrollando su marca propia, que se vende en diferentes puntos del país.

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Cristian Osuna

Sueño en el Parque Independencia (2024)

Óleo sobre lienzo

206 cm x 140 cm

 

Un personaje reposa bajo un inminente amanecer en un reconocido espacio de la ciudad, el Parque Independencia, aquel gran pulmón verde que envuelve al museo desde su conformación. El parque parece ser el hábitat de nuestro individuo, anónimo y solitario, que abre el misterio por su interioridad. Distintos seres y formas aparecen para dar cuenta de un retrato caprichoso que elige la inocencia como visión para

preguntarse por nuestra ciudad, lxs habitantes y sus sueños. Y, en el acto de enfrentar ese paisaje, pretende contagiar la mirada hacia los lugares que nos constituyen.

 

Cristian Osuna nació en Rosario, en 1996. Actualmente se encuentra desarrollando su tesina para la licenciatura en Bellas Artes en Humanidades y Artes de la UNR. Acompañó su formación asistiendo a distintos talleres en la Escuela  de Artes Plásticas Manuel Musto: “Experiencias de Laboratorio(2019)”; “Aproximaciones al Arte Contemporáneo(2020)”; con Nancy Rojas, y "Las preguntas (2021)”, con Cecilia Lenardon y Eugenia Calvo. Realizó talleres y clínica de obra con Juan Hernández y Paola Vega, y talleres de escritura sobre arte con Juan Laxagueborde y Claudio Iglesias. En 2020 fue seleccionado en el Primer Salón Nacional Jamaica Posible. A comienzos del 2022 fue parte de “Las Horas”, una muestra colectiva en Fundación OSDE, y presentó su primera muestra individual, “Pateando Basura”, en Galería Jamaica, curada por Maximiliano Masuelli. En 2023 fue seleccionado para participar en el 7° premio de Pintura Fundación Federada y el 76° Salón Nacional de Rosario. Vive y trabaja en Rosario.

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Candela Roselló

Lxs bañistas del Carcarañá (2024)

Escultura / Hierro nervurado

Medidas variables

 

Tres líneas abstractas e imperfectas son protagonistas de su propio ritual.Debaten cómo han sido representadas en la historia. Son la trama esencial de un dibujo que traza un cuerpo,una cara o un motor de acción. Mientras reposan en el paisaje piensan que sus sombras parecen destellos de caudalosas aguas dulces.Se ríen y se frustran porque a veces no se ven tan lindas, ni tan curvas como les gustaría pero tampoco quieren pecar de superficiales.

A veces se sienten periféricas,les preocupa el paso del tiempo, los recuerdos, la familia, los amigos, la infancia,el trabajo,las obsesiones, la vejez, los hombres,las mujeres, el maquillaje, la pobreza,la moda, la inteligencia, la ignorancia, los zapatos y la construcción de personalidad.

¿Algo cambió de ayer a hoy? ¿Qué piensan?

La humanidad cae infinitas veces amigas, mejor bailemos ya vendrá nuestra revancha!

 

Candela Roselló nació en Junín, 1997. Estudió Bellas Artes en la UNR. Es parte de la cátedra de pintura I, dictada por Claudia del Río. Se formó en clínicas y talleres como “Un triángulo y una calavera”, coordinado por Pauline Fondevila y Silvia Lenardón, y en programas de artistas como “Escuela Prestada”, de la Escuela Municipal de Artes Manuel Musto. En 2020 fue becada por el Fondo Nacional de las Artes para realizar el proyecto colectivo “El palacio de la amistad”, junto con Jazmin Giudici. Sus exposiciones incluyen “Al diablo con los lamentos (2022)”, en CRUDO; “Suave y refrescante (2021)”, en FUGA galería de Santa Fe, y “Corazones Solitarios (2018)”, en Fundación OSDE. Su obra parte formalmente de la práctica del dibujo y la pintura, y desarrolla un imaginario visual autobiográfico surrealista. Vive y trabaja en Rosario como artista y DJ.

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Lourdes Tomaghelli

Frontales próximos a vos (2024)

Instalación de 10 piezas de cemento

5 piezas de 37 x 27 x 5 cm/ 4 piezas 125 x 100 x 5 cm / 1 pieza de 15 cm de diámetro

 

En esta oportunidad me interesaba trabajar a partir del relieve, observando altares y detalles de mantos de vírgenes que se encuentran en las diferentes salas del Museo Marc. En mi trabajo le doy valor a la experimentación e investigación a partir de un material o motivo en particular.Es así que para esta propuesta realicé diez piezas en cemento con diferentes formas y tamaños. Cada una de estas piezas incorporan elementos ornamentales que aluden a los textiles de los mantos, fragmentos de texturas y patrones que conviven entre sí y crean una comunicación simbólica. Cada pieza fue pensada para que funcione tanto en su conjunto como de manera autónoma: diferentes relatos que pueden armarse y desarmarse una y otra vez.

 

Lourdes Tomaghelli nació en Santa Lucía, en 1994. Estudió Licenciatura en Bellas Artes en la UNR, con orientación en pintura. Fue ayudante de la cátedra de Pintura I, dictada por Claudia del Río, y concurrió al taller de dibujo “Un Triángulo y una Calavera” de Pauline Fondevila y Silvia Lenardón. Participó del programa PALA, de la galería LAVA, coordinado por Nancy Rojas. Realizó clínicas con Guillermo Ueno y Paola Vega. En el 2021 participó de “Creadores de Imágenes Rosario”, coordinado por Virginia Molinari, y de las muestras colectivas “Entre la dimensión procesual y la conversación infinita”, en el Museo Municipal de Arte de Rafaela, y “ Cerrando Boliche”, en El Club. En 2022 inauguró su muestra individual “Pensamientos de felicidad”, en la galería Luogo de  Rafaela. Un año después formó parte de Microferia de Arte Rosario, junto a Luogo y galería Ankara de Córdoba.

 

 

Ami Ybarra

La Novia de Dios (2024)

Retazos de tela blanca, alambre y  corona

Altura total: 300 cm / Altura con corona: 340 cm / Diámetro superior: 14 cm / Diámetro base: 120 cm

 

Mi idea fue trabajar con tela. El trabajo de costura, lo táctil y lo blando me conecta siempre con una sensación de calidez y familiaridad. Pero también con lo performático de esta acción y con las posibilidades de construcción que permite este material.

 A partir de la elección de trabajar con una corona de una imagen religiosa que es parte de la colección del museo, construí un manto. El manto de tres metros de alto, está suspendido a unos centímetros del piso y tiene forma levemente triangular. Esta forma fue tomada de la iconografía de vírgenes, de pinturas que también pertenecen al museo.

La Novia de Dios es un manto que está compuesto por retazos de telas blancas con los cuales realice triángulos de diferentes tamaños que cocí uno a uno formando un patrón. Elevada sobre este la corona remata y termina de dar forma al cuerpo del plano de lo divino que sugiere el manto y constituye esta virgen.

Me parece interesante pensar los cruces entre lo terrenal, la costura y el cuerpo, y lo divino que habla más de perfecciones, idealizaciones y construcciones ficticias. De cómo es pensado el cuerpo de lo divino y de la figura femenina en este caso abstraída a la construcción de una manta.

 

Ami Ybarra nació en Rosario, en 1987. Realizó cursos y talleres en la Escuela Municipal de Artes Plásticas Manuel Musto. Estudió Diseño de Moda en el Instituto de Comunicación Visual y Licenciatura en Bellas Artes en la UNR. Participó en las muestras colectivas “Mujeres en el Murray (2020)”, en el museo Juan Murray, de Funes; “Amistad o Nada (2022)”, en El Club; “Cerrando Boliche (2022)”, en El Club; “Mágica Posibilidad Regalo Bombón Calor Brillar Caliente un Pegote Pegoteada Cabeza Perezosa Cinta Bebe Juego Estimulo (2023)”, en El Club; “Microferia de Arte Rosario (2023)”, junto a galería Desmayo y “Volver a Verte (2023)”, en Galería La Toma.

 

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